Son a día de hoy una de las bandas más admiradas y con mejores críticas del mundo. Una banda de una sensibilidad especial y que han creado algunos de los mejores momentos musicales de los 90.
RADIOHEAD
El grupo se formó por diversos estudiantes de la Universidad de Oxford: Thom Yorke, es el cantante, guitarrista y creador del grupo. Sus inicios fueron con el nombre On a friday, pasando posteriormente a llamarse Radiohead. Sus inicios están muy relacionados con la grandiosidad escénica de los primeros discos de U2, aunque interiorizaban lo épico para convertirlo en algo torturador, angustioso y enredado, contando historias sobre alienación y angustia creadas por Thom Yorke. Las influencias eran My bloody valentine, R.E.M., los Pixies y Pink floyd. Comenzaron como todos, luchando por ser alguien, pero la verdad es que tuvieron un éxito temprano. Ya en 1992, grabaron el EP "Drill", y fueron firmados para la compañía EMI / Capitol.
Su primer single, "Creep", ya fue un éxito importante, aunque la prensa inglesa los ignorase. Fue un adelanto de su disco de 1993, "Pablo honey". Cuando el grupo estaba de gira por Inglaterra, "Creep" se convirtió en un boom en Estados Unidos, sobre todo en la cadena MTV, pues mezclaban aspectos de R.E.M. con Nirvana. El grupo hizo de teloneros por aquellas tierras de grupos como Belly y Tears for fears. Cuando volvieron a Inglaterra, reeditaron el disco, convirtiéndo "Creep" en un éxito masivo, que llegó al Top ten.
Temiendo que el grupo fuera un "grupo de un sólo éxito", comenzaron a grabar un segundo disco, "The bends", que se publicó en 1995. Las críticas fueron muy entusiastas, alabando que el grupo hubiera encontrado un sonido más maduro. Sin embargo, en Inglaterra, fueron ignorados por la radio, en una época en la que todo era Oasis y Blur. "The bends" tiene momentos desafiantes aunque frágiles, pero que podían hacer bailar a estadios enteros. Todas sus canciones eran destacables y lo suficientemente buenas como para llamar la atención. Fueron los teloneros de R.E.M. en su "Monster tour". "The bends" comenzó a llamar la atención del público, sobre todo con el videoclip de "Just", llegando a entrar en el top-ten de Inglaterra y de Estados Unidos.
Radiohead volvió al estudio para grabar su tercer disco, que se publicaría en 1997, con el nombre de "OK computer". Muchos consideran a esta obra no sólo el mejor disco de Radiohead, sino el mejor disco de los 90, llegando a compararlo con el "Sgt. Pepper" de los Beatles. Las críticas fueron maravillosas y el público se mostró encantado con este disco que mezclaba estilos musicales como el punk, el prog rock y la música electrónica, además de contener letras maravillosas. Era un disco, no obstante, muy deprimente, ya que Thom Yorke lo era: la canción más alegre del disco, "Airbag", habla de la sensación de librarse de un accidente por los pelos. La belleza de la música mitiga el horror de las letras. Es un disco fascinante y ambicioso. La presión ya era enorme sobre el grupo, que ya de por sí era muy perfeccionista. Cabe mencionar la maravillosa actuación del grupo en el festival de Glastonbury, en la que en lugar de iluminarse a ellos mismos, lo hicieron al público. A día de hoy, muchos dicen que esa es la mejor actuación que ha habido en el mítico festival.
En el año 2000, publicaron el disco "Kid A". Las guitarras desaparecieron, y el sonido era cuanto menos extraño. Radiohead creó un disco que iba más allá de ruido/tranquilidad, explorando al máximo la capacidad del sonido, rompiendo lo que se entiende por estructuras tradicionales de los temas. El disco, pese a que indignó o sorprendió a gran parte de la crítica, estuvo en los primeros puestos de ventas a ambos lados del Atlántico. Decidieron no embarcarse en ninguna gira ni sacar ningún single, una actitud cuanto menos sorprendente. El disco recibió en Grammy.
Rapidamente, Radiohead empleó canciones descartadas para aquél disco para sacar a la luz su obra del 2001, "Amnesiac". Supuso un retorno a las guitarras angustiosas, pero siguieron reinventándose. Crearon auras de pérdida y aislamiento mediante el empleo de distintos sonidos procedentes de distintos estilos musicales. La voz de Yorke es desolada y a menudo inaudible. El disco tuvo mucha mejor acogida si cabe que "Kid A". En el año 2001, publicaron también el disco en directo, "I might be wrong: live recordings".
Los críticos miraban casi con desprecio a Radiohead por haberse apartado de su típico sonido y haber abrazado música cuasi-tecno. Se encontraron en la diatriba de tener que elegir entre su sonido pasado y su sonido actual, pero intentando agradar al máximo posible de gente. Publicaron en 2003 el disco "Hail to the thief"ada ligeramente en ellos. Sin embargo, el grupo no quería caer en una espiral de éxito, asi que comenzó su particular cruzada contra el sistema, negándose a publicar singles en su siguiente trabajo, "Vs.", en 1993. A pesar de ello, fue un enorme éxito comercial, llegando a vender un millón de copias sólo en su primera semana. Sufrieron una polémica durante su gira americana de 1994, por los precios de las entradas y enjuiciaron a la compañía encargada de ello, aunque acabaron perdiendo. Mientras tanto, comenzaron a grabar un nuevo disco. Jack Irons se convirtió en el nuevo batería.
A finales de 1994, publicaron el disco "Vitalogy", que tenía un diseño parecido a una Biblia. Fue un nuevo éxito, pese a publicarse antes en vinilo que en CD por deseo expreso de la banda. Era un disco más rockero. Durante 1995, el grupo grabó un disco junto al gran Neil Young, llamado "Mirror ball". Su nombre no apareció junto al de Young en el disco por cuestiones legales.
En 1996, publicaron su nuevo disco "No code", que pese a tener bastante calidad, comenzaba a marcar el declive del grupo. Se trataba de algo muy experimental y disgustó a muchos de sus fans. Por problemas legales, no podían comenzar una gira a escala mundial, asi que se dedicaron a proyectos paralelos, mientras grababan un nuevo disco. Se publicó en 1998, con el título de "Yield", que era un disco mucho más hard-rockero, aunque era algo más flojillo. Comenzó con muchas ventas, en parte gracias al éxito del single "Given to fly", pero pronto se hundió en las listas. A continuación realizaron una gira mundial y grabaron su primer disco en directo, "Live on two legs". Matt Cameron fue batería durante esa gira y sustituyó al anterior que tenía problemas de salud.
Tuvo gran éxito la publicación del single "Last kiss", una versión muy pedida por los fans. Posteriormente, comenzaron a grabar un nuevo álbum, titulado "Binaural", que recibió las peores críticas y ventas del grupo en el año 2000, pese a canciones de gran calidad como "Light years" y singles de cierto éxito como "Nothing as it seems". Realizaron una gira mundial de la que grabarían un disco en directo por cada concierto. La tragedia se cebó durante un concierto en el Festival de Roskilde en Dinamarca en el que murieron nueve personas por una avalancha. También grabaron un DVD de esa gira, titulado "Touring band 2000".
Con un importante cambio de aspecto, volvieron en 2002 con el disco "Riot act", con el que querían recuperar su antigua irreverencia y polémica. No tuvo ni muy buenas críticas ni buenas ventas, pero mejoraba algo la calidad general anterior. Volvieron a grabar discos en directo de los conciertos realizados para la gira. Publicaron en 2004 dos discos. El primero un recopilatorio de rarezas y caras B, titulado "Lost dogs", una joya que mereció más atención. El segundo: su primer directo acústico, otra joya. Participaron en la BSO de la película "Big fish" con la preciosa canción "Man of the hour". Y por último, publicaron un recopilatorio de toda su carrera tras el fin de su contrato con Sony, titulado "Reaviewmirror".
Dentro de pocos meses publicarán un nuevo disco, que esperemos les devuelva a la gran calidad que han tenido. Un grupo genial, que ha aportado mucho, pero no es revindicado en justicia. Han pasado 16 años, y ahora son un grupo de fans más que otra cosa, pero ahí están, sobreviviendo al grunge.
Canciones esenciales:
- Once
- Alive
- Daughter
- Corduroy
- Light years
- Man of the hour
Buenas. En esta ocasión hago un cambio radical de estilo con respecto a todo lo anterior. Nos pasamos a uno de los nombres más importantes del new-age y a uno de los compositores de algunas de las mejores y más famosas bandas sonoras de la historia.
VANGELIS
Nacido en Grecia el 29 de marzo de 1943, con el nombre de Evangelos Odyssey Papathanassiou. Pese a que se le reconocío enseguida como un gran talentoso al piano, no quiso ser enseñado por nadie y prefirió ser autodidacta. Al acabar los estudios, forma en los años 60 un grupo llamado Formynx, que fue el grupo más popular en las tierras helenas durante un periodo de tiempo. Tras el éxito, ya bautizado como Vangelis, decide emigrar a Paris, en el año 1968, justo antes de las revueltas estudiantiles. Como no podía volver a Grecia, decide formar un grupo que llama Aphrodite's child, que tocaba rock progresivo. Junto a él, en esta banda estaban los también griegos Demis Roussos y Lucas Sideras. Con este conjunto, tuvieron un grandísimo hit, titulado "Rain and tears" (no creo que sea ningún antecedente del discurso final de Blade Runner).
Ya en 1972, Aphrodite's child se separan, y Vangelis pasa a trabajar con el director de cine francés Frederic Rossif, para que compusiera las bandas sonoras de las películas "L'Apocalypse des animaux" y "La fête sauvage". En 1974, compone el que será su primer disco en solitario, titulado "Earth". Se rumoreó mucho con que Vangelis iba a juntarse a la banda de rock progresivo Yes, y aunque llegó a tocar con ellos en algunos ensayos, no se produjo la unión. Sin embargo, se hizo muy amigo del cantante de ese grupo, Jon Anderson, con quien colaboraría en los siguientes años.
Vangelis emigra a Londres, y decide continuar con su carrera en solitario, creando su propio estudio de grabación. En 1975 compone "Heaven and hell", en 1976 "Albedo 0.39", en 1977 "Spiral" y en 1978 "Beaubourg". Comienza una colaboración entonces con Jon Anderson, y componen una serie de canciones que tuvieron mucho éxito como singles en el Reino Unido, tales como "I hear you know" en 1980 y "I'll find my way home" en 1981.
A partir de entonces comienza a dedicarse especialmente a componer bandas sonoras. Su éxito rompedor llega con la banda sonora de "Carros de fuego", en 1982, que le llevó a ganar el Oscar a mejor composición, además de a tener mucho éxito en Gran Bretaña y EEUU. Quizás aún más importante, aunque menos conocida, fue su composición para la banda sonora de la película de culto de ciencia-ficción, la increíble "Blade runner", ese mismo año. A partir de entonces, comenzó unas colaboraciones con el director de esa película, Ridley Scott, en bandas sonoras como la de la película "1942: la conquista del paraíso". También colabora para dar musicalidad a muchos documentales del oceanógrafo Jacques Cousteau.
Mientras tanto, continúa con su carrera en solitario, sacando LP's como "The mask" en 1985, "Antarctica" en 1988, "The city" en 1990 y "El Greco", su última obra hasta el momento, en 1998. Además, en 1992, fue nombrado por Francia Caballero del orden de las Artes y las Letras.
El de Vangelis es un nombre imprescindible para comprender una serie de músicas de gran tirón a principios de los 80, además de significar el acompañamiento musical idóneo para películas de por sí imprescindibles.
Imprescindibles:
-Banda sonora de "Carros de fuego".
-Banda sonora de "Blade runner", sobre todo "Love theme from Blade runner" y "Blade runner blues"
Bueno, esta semana dejo Inglaterra por fin y dejo de hablar de música de los 70 y 80. Ya iba siendo hora de cambiar de aires. Conozcamos a una de las bandas más emocionantes, intrigantes e interesantes que existen a día de hoy en el mundo. Sí, no sé cuantos de vosotros la conoceréis. Yo hace poco que les conozco, y fue a raíz de una crítica de un concierto que apareció en la Rolling Stone que decía: "5/5: Cuando un concierto se convierte en un acto creativo. Si , su disco más político y que retomaba los sonidos de "Pablo honey", su disco de debut. Seguían experimentando, pero la mezcla resultaba cómoda. El disco acaba teniendo un resultado sobrecogedor y magistral.
Actualmente se encuentran tocando en directo, a la espera de un nuevo disco que se supone saldrá este año. Por otro lado, Thom Yorke acaba de publicar su primer disco en solitario, "The eraser".
CANCIONES IMPRESCINDIBLES
- Creep
- Street spirit (fade out)
- Paranoid android
- No surprises
- How to disappear completely
- You and whose army?
- Wolf at the door
- There there
Bueno, vamos a cerrar la trilogía Madchester, con el grupo que tuvo más éxito.
STONE ROSES
Naturales de Manchester, el cuarteto Stone roses mezclaba en su música guitarras al estilo de los 60 con música dance de los 80, y acabaron por definir el sonido que se instauraría en Inglaterra a finales de los 80 y principios de los 90. Fueron un grupo efímero, pero de intensa existencia.
Los Stone roses surgieron de las cenizas de la banda de institulo English rose, que contaba a las voces con Ian Brown y a la guitarra con John Squire. Los Stone roses se formaron oficialmente den 1985, cuando a estos dos miembros se les sumaron el batería Reni, el guitarrista Andy Couzens y el bajista Pete Garner. Sus comienzos fueron en los típicos clubes de Manchester. Su música era una mezcla de los 60 con el heavy metal, incluídas reminiscencias de la música gótica. En 1987, Couzens dejó el grupo, al igual que Garner, siendo éste sustituído por Mani. Su primer single se llamó "So young", con el que llamaron un poco la atención de la compañía Thin Line Records. El siguiente single fue "Sally cinnamon". A finales de 1988, el grupo consiguió un contrato con la compañía Silvertone Records, que les publicó su tercer single "Elephant stone", que mostraba las guitarras psicodélicas que representarían el sonido típico de los mancunianos.
La canción fue un éxito, y el boca a boca hizo que en sus conciertos por Manchester se acabaran las localidades facilmente. También comenzaron a ser reconocidos en Londres. En mayo de 1989, el grupo sacó su disco de debut, titulado homonimamente "The stone roses". Las críticas fueron entusiastas, y su sonido fue pronto imitado por otras bandas. Fusionaban de un modo innovador música dance y rock. El alma del grupo era el guitarrista Squire, cuyo instrumento se mueve con total libertad por toda la obra. Consiguieron un sonido optimista, que caracterizó lo que sería la era que siguió al nacimiento del acid house; materializando el espíritu aparentemente libre de la época, rememorando a la par el rock de los 60, con toda su creatividad. Los singles del grupo comenzaron a venderse cada vez más y más, llegando a estar pronto en el top ten. Pasaron de tocar en pequeños clubes para, posteriormente, colgar el cartel de "no hay entrada" en los teatros con más localidades de todo Inglaterra.
En 1990, los Stone roses organizaron su propio concierto al aire libre, en Spike Island, al que acudieron unas 30.000 personas, convirtiéndose instantaneamente en un momento histórico de la música británica. Cuentan que nadie ha visto nunca a tanta gente joven junta totalmente drogada y dando lugar al mayor hedonismo que se pueda imaginar. Qué importa cuando la música es tan maravillosa...Sin embargo, este concierto les llevó a pelearse con la compañía Silvertone Records, que les prohibió sacar nuevo material en cualquier otra compañía. Comenzaron a grabar un segundo disco, pero como Stone Roses querían dejar Silvertone, no pudieron sacar nada hasta que ganaron un juicio, en 1991...cuanto tiempo perdido, y eso acabó repercutiendo negativamente. Stone Roses acabaron por firmar con Geffen Records.
Desanimados, siguieron con la grabación del disco, pero hicieron más bien poco, aparte de ver partidos de fútbol. Tuvo que ser Geffen Records quien metiera presión para que, a finales de 1994, el grupo editara "Second coming". Con tantos problemas a sus espaldas, era previsible que el resultado no fuera nada positivo. Recibió críticas tibias, y su single "Love spreads" sólo alcanzó el número dos. El grupo había preparado una gira mundial para 1995, pero todo se torció: Reni, el batería, dejó el grupo. Fue sustituído por Robbie Maddix, por lo que pudieron hacer una pequeña gira por los Estados Unidos. El grupo tenía previsto ser cabeza de cartel en el festival de Glastonbury de 1995, pero un accidente de bicicleta de Squire, le rompe el brazo, imposibilitandoselo, y, indirectamente, convierten a Pulp en estrellas. El de Glastonbury hubiera sido el primer concierto en Inglaterra en 5 años de los Stone roses. Durante los siguientes meses, fueron perdiendo respeto y popularidad, pese a que compañeros de su era, como Charlatans o Shaun Ryder, de los Happy Mondays, hacían discos que tenían buenas acogidas. Añadieron a un teclista para celebrar conciertos en Inglaterra.
No obstante, en la primavera de 1996, Squire anunció que dejaba el grupo, pues quería involucrarse en un proyecto más interesante y activo. Los restantes Stone Roses anunciaron que seguirían con un nuevo guitarrista cuando lo encontraran, pero finalmente decidieron dejar la música a finales de octubre. Squire inició su proyecto Seahorses y Brown su disco en solitario, "Unfinished monkey bussiness" en 1998, ambos con poco éxito.
CANCIONES ESENCIALES
- I wanna be adored
- Elephant stone
- Waterfall
- Fool's gold
- Made of stone
- Love spreads
Y si se habla de Oasis, que menos que hablar de Blur, sus "rivales". Otra gran banda inglesa, que aportó tantas o más cosas que los de Manchester, siendo, en mi opinión, la mejor de las dos bandas, aunque su sonido sea, en principio, menos accesible.
BLUR
La banda surgió a principios de los 90, claramente influenciados por el grupo Stone roses, tan de boga en aquél momento. En todo momento, buscaban encontrar un sonido lo más inglés posible: sus guitarrazos y melodías recordaban a los Kinks, los Small faces, The Jam o Madness, o incluso a los Smiths. Fueron los líderes del movimiento musical, pues se puede decir que en gran parte ellos lo crearon. Las letras del cantante Damno estuviste allí, date a la bebida". Y bueno, también pude ver como mucha gente de Internet hablaba muy bien de este grupo, asi que decidí darles una oportunidad. Y no me arrepiento. Son muy grandes. Conozcamos su historia.
WILCO
Esta banda norteamericana surge en 1994, tras la separación del grupo de rock Uncle Tupelo. Mientras Jay Ferrar crea Son Volt, Jeff Tweedy se junta con los miembros restantes de Uncle Tupelo la banda Wilco. Estos miembros son: Ken Coomer como batería y John Stirrat al bajo, Max Johnston a la mandolina, el banjo y otros instrumentos. Posteriormente se les uniría Jay Bennett a la guitarra, puesto que también ocupada Tweedy junto al de cantante. Su estilo inicial era el country rock. De hecho, el primer LP de la banda, aparecido en 1995, "A.M.", seguía mucho el sonido country-rock de Uncle Tupelo y se parecía al primer disco de Son Volt, "Trace".
Dispuestos a quitarse la etiqueta de ser un grupo estancado en un sonido, trabajaron duro y publicaron en 1996 su segundo LP, titulado "Being there", para muchos, su gran obra maestra. Se trataba de un disco doble, en el que el grupo daba un salto en el sonido, aplicando muros de ruido y música laberíntica sobre la tabla de sonidos. Las canciones son muy diferentes una de otra: desde la hermosa balada "Misunderstood", el country rock de "Far, far away" y el rock setentero de "Monday". Pese a las grandes críticas recibidas, las ventas no fueron excesicamente buenas. Tras la edición de este LP, Johnston abandona el grupo y es sustituído por el guitarrista Bob Egan.
En el año 1998, Wilco deciden colaborar con el cantante Billy Bragg en el disco "Mermaid avenue", que era un homenaje al clásico cantante folk Woody Guthrie. El disco captaba un sonido orgánico, con reminiscencias del bluegrass primitivo y el folk rock. Recibió muy buenas críticas, pero sobre todo sirvió para introducir a las nuevas generaciones el legado de Guthrie.
En el año 1999, Wilco publican el disco "Summerteeth", que de nuevo recibió excelentes críticas, pero no consiguió ventas grandes, lo cuál provocó tensiones con su sello, Warner Bross. En el año 2000, sale a la venta "Mermaid avenue vol.2", la continuación de este proyecto. Tras este LP, Coomer deja amigablemente la banda, siendo sustituído por Glenn Kotche.
La banda se centra entonces en la realización de su cuarto disco, titulado "Yankee foxtrot hotel", que salió en el año 2002. El grupo había fichado con el sello Nonesuch, que les dejaba control en su música. La banda se aventura aquí en un terreno desconocido, con un resultado sobrecogedor. Las letras son más intentas, políticas, emocionantes y evocadoras que nunca. El sonido del álbum es fantasmal, y totalmente distorsionado, pero tiene una belleza única y serena. Hay temas sombríos y tristes, pero también melodías irónicas y nostálgicas ("Heavy metal drummer") y algunas canciones tremendamente bellas ("Jesus, etc."). El resultado no pudo tener mejores críticas y, por fin, alcanzó unas ventas exitosas. Jay Bennett, sin embargo, deja el grupo. Leroy Bach se une a ellos, tocando diversos instrumentos. Realizaron una pequeña gira, que se vio arropada con la realización de un corto titulado "I am trying to break your heart", que contaba como se había realizado este disco.
Tras una gran gira, comenzaron a preparar su siguiente disco, titulado "A ghost is born", que apareció en 2004. Leroy Bach deja el grupo de forma amistosa, para ser sustituído por Pat Sansone. A continuación, grabaron en 2005 un disco en directo que recogía la gira de presentación de "A ghost is born", titulado "Kicking television: Live in Chigago".
Son un grupo con un gran futuro y una creatividad innegables, además de una calidad palpable en cada canción que hacen. Por una vez, se puede decir que un grupo "nuevo" no está sobrevalorado.
CANCIONES ESENCIALES:
-Misunderstood
-Jesus, etc.
-Ashes of american flags
-At least that's what you said
Bueno, siguiendo con bandas inglesas, esta semana toca con una que podré ver en directo en julio. Se trata de un grupo imprescindible del tecnopop inglés.
DEPECHE MODE
Banda inglesa que fue representante (máximo, tal vez) del movimiento electropop. Su estilo se caracteriza por el uso constante de un sonido construido sobre los sintetizadores. Al principio sonaban bailables, pero poco a poco se fueron convirtiendo a un sonido más oscuro. Los orígenes del grupo datan de 1979, cuando miembros de varias bandas se juntaron en una sola llamada Composition of Sound. Los miembros eran: Vince Clarke, Andrew Fletcher, Martin Gore (guitarrista y pianista) y David Gahan (voz). Posteriormente pasan a llamarse Depeche Mode, creando un sonido que se basaba únicamente en los sintetizadores, desprendiéndose del resto de instrumentos.
Actuaron primero en pequeños clubes, y posteriormente sacan su primera canción "Photographic". Tras edita varias canciones más, sacaron en 1981 su primer LP: "Speak and spell", que tuvo un importante éxito. Cuando parecía que el grupo empezaría a conseguir cierta fama, Vince Clarke (principal compositor) deja la banda para formar Yazoo. Depeche Mode contrata entonces a Alan Wilder para que se encarge del piano. En 1982, sacan su segundo LP: "A broken flame", que tiene un sonido más seguro y sofisticado, algo que se vería aún más claro en su tercer LP, de 1983, "Construction time again. Some great reward". Éste se convirtió en un gran éxito, animado por las letras oscuras, sobre las dudas espirituales y la manipulación psico-sexual, escritas por Martin Gore. Tuvo gran éxito, especialmente, el single "People are people".
Comenzaron a evolucionar hacia un sonido y unas letras más melancólicas en su disco de 1986 "Black celebration", convirtiendoles en un grupo de primer nivel de éxito. En 1987, precedido por el exitoso single "Strangelove", sale el LP "Music for the masses", que fue muy importante para el crecimiento popular del grupo, cuyos conciertos se vieron registrados en un disco en directo ("101"). Sin embargo, el mayor éxito de la banda se dio en 1990, con el gran disco "Violator", que según palabras de Martin Gore "tiene una lista de los diez temas más interesantes: relaciones, dominación, lujuria, amor, bien, mal, incesto, pecado, religión e inmoralidad". Este disco contenía canciones de gran éxito como "Enjoy the silence" o "Personal Jesus" (versioneado por artistas como Marilyn Manson o Johnny Cash).
En 1993, con la presión de mantener su status, sacan el LP "Songs of faith & devotion", que alcanzó al número uno. Sin embargo, estando en el pico de su carrera, Wilder abandona el grupo en 1995. Para más inri, Gahan intenta suicidarse, pero fracasa. A la vez, entra en un centro de rehabilitación para desintoxicarse de su adicción a la heroína. Con este panorama, el grupo continúa como trío, y saca en 1997 el menos conseguido LP "Ultra", que pese a todo tuvo singles de éxito. El grupo continuó creciendo especialmente tocando más directos que nunca. Comenzaron los tres miembros a buscar proyectos en paralelo, y dejaron a Depeche Mode por tres años.
En el año 2001, sacan el flojo "Exciter", que no acabó de tener el éxito esperado, pese a singles como "Dream on" o "I feel love". El trío continuó con sus proyectos en solitario, hasta 2005, cuando sacaron el bastante flojo "Playing the angel", que sin embargo contaba con una de las mejores canciones del grupo, "Precious", el primer single.
Su época de mayor calidad ya está atrás, sin embargo, es importante recordar a este grupo como uno de los pioneros del electropop, y que, como New Order, tuvo mucha importancia para el desarrollo de la musica disco, que tanto éxito on Albarn eran tan destacables como un sonido que rompió puertas, en gran parte gracias al guitarrista Graham Coxon.
El grupo se creó en Londres, en 1989, con los citados Albarn y Coxon, además de Alex James al bajo y Dave Rowntree a la batería. Se llamaban por aquél entonces Seymour. Tras tocar en pequeños clubes y grabar una maqueta, firmaron por la compañía Food records, una filial de EMI. En aquél momento, determinaron que tenían que cambiar de nombre, asi que propusieron una lista, de la que se escogió el definitivo de Blur.
Comenzaron a publicar singles, que tuvieron una muy buena acogida, como "She's so high" o "There's no other way". Al final, esas canciones aparecieron en su disco de debut, en 1991, titulado "Leisure". Pese a recibir algunas críticas favorables, otros periodistas identificaron el grupo con el sonido de Madchester, la escena musical que por aquél entonces estaba muriendo, y por lo tanto, no les tomaron demasiado en serio. Para evitar que eso sucediera, Blur intentaron distanciarse lo más posible de ese sonido que tenía "Leisure".
Sin embargo, con la publicación de la canción "Pop scene", se les identificó con la escena musical mod, de grupos como The who, algo que no estaba nada de moda en aquél momento, en el que triunfaba el grunge de Nirvana. Decidieron comenzar a grabar su segundo disco, que publicaron en 1993, titulado "Modern life is rubbish". Este disco inaguró la era en la que sonaron más parecidos a los Kinks, pues estaba dedicado a la Ingleterra más olvidada. En él se da una mezcla disparatada de estilos, pero todos bien definidos, creando un disco crítico con el modo de vida de la Inglaterra de los 90 y que tenía una mirada nostálgica a una época pasada. Cuando entregaron el disco a la compañía, les pidieron que grabaran un single pegadizo, asi que Blur se sacó de la manga "For tomorrow" para Inglaterra y "Chemical world" para los Estados Unidos. Acabó por recibir críticas muy positivas, pero las ventas no acabaron de ser todo lo deseable.
Sin embargo, Blur volvió en 1994 con "Parklife", su tercer disco de estudio. Los problemas económicos estaban asolando al grupo, que necesitaba un éxito desesperadamente. Y tuvieron suerte, pues este disco fue el que comenzó la era Brit-pop, alcanzando el número uno y llevando al estrellato a Blur. Su música era una mezcla del cinismo sesentero de los Kinks y el vandalismo de los 90. Ha pasado por ser el trabajo más coherente y nítido de Blur, anclado en el pasado pero sonando tremendamente moderno, llegando tanto al corazón como a la cabeza de los fans. En los Estados Unidos tuvieron una acogida más fría, sólo destacando el single "Girls & boys", mientras que en Inglaterra triunfaban con la homónima "Parklife". El disco supuso la moda de ese tipo de música, sirviendo de espaldarazo a grupos como Oasis, Pulp, Supergrass.
Blur comenzaron a grabar su siguiente disco. Iban a lanzar el single "Country house", pero la polémica estalló cuando unas desavenencias con Oasis, acabaron por molestar tanto a Albarn que decidió adelantar la salida del single para que coincidiera con la salida del single de Oasis "Roll with it". Comenzaron una dialética batalla: Blur decían que ellos eran los Beatles y Oasis los Stones, Oasis contestaban que ellos eran los Beatles y los Stones mientras que Blur eran más como los Monkees (grupo que salió de la televisión norteamericana), y Blur respondía que Oasis parecían Status quo (grupo de rock inglés con sonido guitarrerero repetitivo). Vamos, un desastre, una guerra en la que los dos grupos se odiaron de veras. La batalla de los singles la ganó por poco Blur. Sin embargo, Blur perdió la guerra, pues su disco de 1995, "The great escape", se vendió mucho menos que el "(What's the story) morning glory?" de Oasis. Blur entraron muy bien al principio en las listas, pero poco a poco empezaron a ser mal vistos, a entenderse que no aportaban nada nuevo, y decepcionaron pues no lograron triunfar en los EEUU, donde Oasis eran estrellas. Sobrecogidos por la mala prensa que tenían, Blur casi se separan en 1996, pero decidieron tomar un año sabático.
Albarn comenzó a declarar que la música británica ya no le interesaba, sino que estaba fascinado por la música indie norteamericana, algo que su compañero Coxon llevaba tiempo reclamando. Esas influencias acabaron por notarse en el quinto disco de Blur, "Blur", de 1997. Recibió críticas positivas, volviendo a encandilar al público británico. El single "Beetlebum" (que siempre se ha rumoreado habla sobre la heroína, sustancia a la que era adicto Albarn en aquél momento...ved en videoclip en Youtube si no me creeís) llegó fácilmente al número 1. Tuvo mucho mayor éxito la canción "Song 2", que les abrió las puertas del mercado estadounidense. Sin embargo, muchos fans no acababan de cuajar bien el cambio.
En 1999, publicaron su disco "13". Esta obra se vio marcada por la separación de Albarn de su novia y el adiós de su habitual productor. El resultado del disco mostraba el interés de Blur por experimentar con nuevos sonidos, pero acababa dejando lo mejor y lo peor que haya hecho nunca el grupo. Se mezclaban momentos experimentales con momentos autoindulgentes, dando como resultado un disco extraño.
Blur comenzó a grabar su séptimo disco, pero las tensiones internas entre Albarn y Coxon eran insoportables. El éxito de Albarn con su grupo paralelo Gorillaz se le había subido a la cabeza, y acabó por dejar de lado a Coxon en el apartado creativo y en el de la producción. Coxon optó por dejar la banda. Albarn comenzó a grabar un disco en el que se notaban sus influencias de la música bailable que había estado componiendo. Lamentablemente, el talento de Albarn necesita de alguien que lo guie, y sin Coxon, no había nadie. El resultado fue el pobre "Think tank" de 2003, que recibió las peores críticas y ventas del grupo, pues parecía más un álbum en solitario de Albarn o una serie de caras B de Blur que un disco en sí del grupo. Un disco muy decepcionante se mire por donde se mire.
Parece que Albarn y Coxon han vuelto a tener relación y es posible que pronto nos deleiten con un nuevo disco de Blur. El tiempo lo dirá.
CANCIONES IMPRESCINDIBLES:
- Universal
- Song 2
- Beetlebum
- There's no other way out
- She's so high
- Parklife
- End of a century
- No distance left to run
- Girls & boys
Re-escribo el blog sobre Oasis, después de que se me haya borrado inexplicablemente.
OASIS
Fueron una de las bandas más populares de mediados de los 90, de hecho, ellos se autoproclamaban los más grandes. Fueron una de las bandas británicas más aclamadas de esa década, junto a Blur, Suede y Radiohead. Y fueron los máximos triunfadores del movimiento inglés Brit-pop.
Oasis tienen un aspecto que cruza los Rolling Stones con los Who, pero su música está mucho más influída por los Beatles. Toda su discografía esttuvo en Inglaterra a principios de los 90. Muy recomendables. Pueden ser perturbadores o enternecedores, y sólo hay una fina línea entre esos dos sentimientos en la música de este gran grupo.
CANCIONES ESENCIALES:
-Personal Jesus
-Enjoy the silence
-People are people
-Precious
Bueno...esta semana cambiamos de estilo, aunque seguimos en el norte de Europa. Nos trasladamos a Irlanda, finales de los 80. Un grupo de corta duración pero enorme influencia.
MY BLOODY VALENTINE
Esta singular banda nace en Dublín en 1984. Sólo son miembros permanentes su líder y guitarrista Kevin Shields y el batería Colm O'Ciosoig. Tras algunos cambios de formación, se les unen la bajista Debbie Googe y la guitarrista y cantante Bilinda Butcher. También cuentan con una pianista llamada Tina. El nombre del grupo ("Mi San Valentín sangriento") proviene de una película de horror de serie B.
El grupo salió de Dublín para ir moviéndose de un lugar a otro, hasta grabar su EP "This is your bloody Valentine". Posteriormente se trasladan a Londres donde graban el EP "Geek!", que al igual que el anterior, pasa desapercibido. Continúan mostrando al mundo su música, muy influenciada por The Jesus & Mary chain en ese momento, y publican los EPs "The new record by My bloody Valentine" y "Sunny sundae smile". Para este último, comenzaron a experimentar con las posibilidades de la distorsión, especialmente en la guitarra. Este tipo de sonido sería el que caracterizaría su carrera y que marcaría un antes y un después en la música. Más éxito tienen los EPs "Strawberry wine" y "Ecstasy", pero en ese momento es cuando cambian de vocalista y llega a la voz Bilinda Butcher, lo cuál supone un gran cambio.
Teniendo en cuenta la influencia de grupos como Big black, Dinosaur Jr. o Hüsker Dü, Shields comenzó a preparar un tipo de sonido que aún era muy novedoso y al que el público debía acostumbrarse. Toma las riendas de la banda y comienza a grabar el primer LP del grupo, "Isn't anything". El resultado: un álbum rock sin guitarras, que suena como nunca antes había sonado nada. Distorsiones, efectos de sonido, reverberaciones, afinaciones poco empleadas, ritmos dislocados... todo vale. El disco suena suave, armónico y muy sensual. Este disco se convirtió, inmediatamente, en un disco de referencia para multitud de bandas.
La banda firma con la Warner en EEUU. Graba dos EPs "Feed me with your kiss" y "You made me realise", que cosecharon gran popularidad. Con la salida del EP "Glider", muchos comenzaron a temer que la continuación de "Isn't anything" nunca saldría. La banda, sin embargo, estuvo nada menos que 18 meses grabandola. Entre tanto, tuvieron tiempo de publicar otro EP, "Tremelo". Pero, sorprendemente, la espera mereció mucho la pena.
A principios de 1991, el grupo publica "Loveless", su segundo LP. Su obra cumbre. Distorsiones de guitarra hasta donde nunca antes se habían llevado, experimentación de sonido sorprendente y un estruendo que, en palabras de la Guinness Rockopedia era "el sonido de Dios estornudando en cámara lenta". Fue un éxito de ventas en Inglaterra y sobre todo de crítica. Un disco que fue capaz de acabar con lo que el propio grupo había creado: el movimiento shoegazing. Ningún grupo se atrevió a sacar un disco siquiera parecido a éste. Desgraciadamente, este disco fue carísimo y casi lleva a la bancarrotal sello del grupo, Creation.
Y desde entonces... nada. O casi nada. Tan solo rumores de una vuelta al estudio de la banda, que sigue existiendo pero ya sin el batería ni la bajista. Lo último que se supo de la banda fueron las canciones que incluyó Kevin Shields en la banda sonora de "Lost in translation". Todos esperamos con ganas un tercer LP.
Un grupo que fue, cuanto menos, innovador y experimental. Ahí están las Raveonettes para mostrar cuanto pudo influir este grupo de efímera duración.
CANCIONES ESENCIALES:
-Only shallow
-When you sleep
-Sometimes
-Feed me with your kiss
-You made me realise
Welcome! Esta semana toca hablar de New Order, es decir, es la continuación de lo que escribí la semana pasada acerca de Joy Division. La historia de New Order es fascinante, probablemente uno de los grupos pop más importantes de toda la historia y que más ha influído en la historia de la música reciente.
Tras la muerte de Ian Curtis, los miembros supervivientes, devastados, deciden dejar el grupo. Sin embargo, poco después, el mismo año 1980, deciden volver a juntarse y formar un nuevo grupo, con la ayuda de la novia del batería (Stephen Morris), llamada Gillian Gilbert. El nuevo puesto de cantante era ocupado por el también guitarrista Bernard Sumner.
Ya en 1981, sacaron su primera canción, una versión de una canción de Joy Division, titulada "Ceremony", que todavía contenía esa oscuridad melódica que había caracterizado a su antigua banda. En un principio, el cuarteto no tuvo nada de éxito y, de hecho, era despreciado por muchos críticos y antiguos fans. Pese al fracaso de su EP "Movement", el éxito que tuvieron las canciones "Everything's gone green" y "Temptation" les animó a seguir adelante. Por aquél entonces, colaboraron en la adquisición del club La Hacienda, justo a su productor, el presentador televisivo Tony Wilson. La Hacienda, en un principio, estaba casi siempre vacío, amontanando deudas para sus dueños.
En 1983, New Order dio su primer salto de gigantes, al componer la canción "Blue monday". Se convirtió rapidamente en el single de 12 pulgadas más vendido de la historia, pero el coste de producción del diseño del CD hacía que el grupo perdiera dinero con cada unidad que vendía. Eso, sumado a las deudas de La Hacienda, les hacía un flaco favor. Editaron su segundo disco, "Power, corruption and lies" ese mismo año, que les dió su primer éxito en Estados Unidos con la canción "Confusion".
En 1985, con la preciosa y muy bailable "The perfect kiss" como adelantó, salió a la venta "Low-life", una de las primeras obras maestras del grupo. Dejaban atrás su sonido punk-gótico de Joy Division y se adentraban en sonidos donde mezclaban rock, pop y música de baile. En 1986, publican "Brotherhood", una obra menor, pero con una de sus canciones más recordadas y versioneada hasta la saciedad, "Bizarre love triangle". Eran cada vez más conocidos en Inglaterra y, poco a poco, se iban abriendo paso a los Estados Unidos.
En 1989, surge la escena del éxtasis y con ello, llega el éxito al club La Hacienda. Manchester, ciudad de origen del grupo, se convierte en el centro del mundo. New Order es una de las bandas que dominan todo el panorama, junto a sus conciudadanos los Happy Mondays y los Stone Roses. Era la época de Madchester. New Order pasan un tiempo en Ibiza, recogiendo sonidos, y ese mismá llena de guiños-plagio al cuarteto de Liverpool. Sus canciones tienen estructuras similares a las de The Jam o los Kinks, mientras que su personalidad deriva entre el nihilismo de los Sex pistols y la arrogancia de los Stone roses. La misión del grupo es, según ellos, traer éxitos pasados al presente, a través de canciones que son similares: hay multitud de melodías que recuerdan a T-rex o incluso a Wham!.
El grupo se creó en Manchester, con el cantante Liam Gallagher como líder. El grupo aún no estaba bien definido, por lo que Noel Gallagher, guitarrista y hermano del cantante, decidió unirse al grupo siempre que pudiera tener un control total. La banda entonces tomó el nombre de Oasis.
Después de tocar en unos pequeños clubs, Alan Mcgee, director de la compañía Creation records, decidió contratar al grupo. Publicaron como singles las canciones "Supersonic", "Shakermaker" y "Live forever", siendo esta última un bombazo en las listas británicas. Estas canciones aparecerían en su maravilloso disco de debut de 1994, "Definitely maybe", el disco de debut que más vendió en menos tiempo. El grupo comenzó a tener un éxito muy grande, ya fuera con sus conciertos o con sus singles. No obstante, ambos hermanos mantenían peleas constantes y Noel dejó la banda en mitad de la gira por norteamerica, para volver después. El grupo se convirtió también en un exitazo en los EEUU, y su disco se vendió muy bien.
De vuelta a Inglaterra, publicaron el single "Some might say", que llegó al número 1, y sirvió como aperitivo del siguiente disco del grupo, el disco de 1995 "(What's the story) morning glory?". Mantuvieron la famosa pelea de los singles con Blur el 14 de agosto de aquél año: "Roll with it" de los Oasis vendió menos que el "Country house" de Blur. No obstante, el LP de Oasis, aupado por el tremendo éxito del single "Wonderwall", llegó a lo más alto, convirtiéndose en un clásico. Las peleas en el seno del grupo eran muy frecuentes, llamando especialmente la atención de la prensa, que se centraba más en ese aspecto que en el musical. Sin embargo, Oasis triunfó con los conciertos al aire libre celebrados en Knebworth.
Comenzaron a grabar entonces su tercer disco, que tardó más de lo previsto. El resultado fue en 1996, "Be here now", que decepcionó a fans y críticos, pese a las enormes ventas que tuvo. Era un disco excesivo, que no aportaba nada nuevo, resultaba aburrido y predecible, pese a tener unas pocas canciones muy buenas. Fue el disco que acabó con el Brit-pop. El grupo comenzó a dejarse ver menos, salvo cuando publicaron la recopilación de caras B "The masterplan".
Miembros del grupo comenzaron a abandonarlo, teniendo que ser sustituídos. La marcha del guitarrista Paul "Bonehead" Arthurs fue comparada por Noel como la marcha de McCartney de los Beatles. En el 2000 publicaron el muy decepcionante y aburrido "Standing in the shoulder of giants", que apenas contaba con algún momento de calidad. La gira que le siguió fue todo un éxito, viéndose reflejada en el disco en directo "Familiar to millions".
Dos años después, publicaron el algo mejor "Heathen chemistry", que no obstante no tuvo las ventas esperadas. Además, muchos miembros de Oasis se metieron en problemas, como peleas en Munich y un accidente en Indianapolis. Comenzaron a preparar su siguiente obra, que se rumoreaba iba a contar con la colaboración de miembros de Death In Vegas, aunque finalmente no fue así. El resultado fue "Don't believe the truth", publicado en 2005, y que era lo mejor del grupo desde hacía 10 años.
CANCIONES IMPRESCINDIBLES:
- Live forever
- Supersonic
- Rock n' roll star
- Don't look back in anger
- Cast no shadow
- Wonderwall
- Stand by me
- Don't go away
- Little by little
- Mucky fingers
- The importance of being Iddle
Ahora volvemos, una vez más, a la ciudad inglesa de Manchester, en este caso para hablar del segundo grupo del movimiento "Madchester", junto con New Order, del que hablamos aquí. Uno de los grupos más divertidos e influyentes de los últimos años.
HAPPY MONDAYS
Y es que los Happy mondays, junto a los citados New Order y a Stone Roses, formaron la triada de grupos más importantes del movimiento musical de principios de los años 90 llamado "Madchester". La música de los Happy mondays estaba influenciada por la cultura de club y la cultura rave, a diferencia de los otros dos ejemplos. Confluían en ellos, además, sonidos de música house, soul de los años 70, y psicodelia de los 60. Una de las características más notables de esta banda es que sus canciones eran brillantes, llenas de color, pero sus melodías fracturadas impedían que las canciones llegaran a cohesionarse.
Los Happy mondays, con su vida basada en "drogas, sexo y música disco" (por este orden), mostraron la cara más sucia de la cultura rave. Eran yonquis, que mostraban la violencia latente debajo de una cultura basada en el consumo de drogas, como era la, por otra parte mitificada y glamourosa, cultura rave inglesa de finales de los 80 y principios de los 90, época de gran éxito de grupos como Depeche mode. Los Happy mondays estaban bajo el liderazgo del cantante Shaun Ryder, cuyas letras eran enrevesadas y surrealistas, llenas de extrañas referencias a la cultura pop, el tráfico de drogas, y una amenazadora sexualidad. Su música era igualmente tan desquiziada.
Si por algo destaca este grupo, fue por ser la primera banda de rock que incorporó a su música elementos del hip-hop, de quienes usaron sus melodías y letras para construir un nuevo y blasfemo tipo de rock, lleno de excesos. Tal y como ellos eran. Su influencia ha sido enorme, para numeros estilos, desde bandas dance como The Chemical brothers hasta bandas de rock como Oasis.
Factory Records, la compañía del televisivo Tony Wilson, y que ya había producido discos de Joy Division y New Order, se fijaron en estos chicos, y publicaron su debut, en 1987 "Squirrel & G-Man twenty four hour party people plastic face carnt smile (white out)", que incluía su primer éxito, "24 hour party people". Esta época del grupo quedó reflejada en la película del mismo nombre, en la que se pueden ver muchos de los excesos que cometieron. Aunque algunos hacían sentir lástima por ellos, otros son la mar de divertidos (grabaron el disco en una isla, y vendieron todo el equipo musical para conseguir droga, y cuando se les acabó el dinero, vendieron sus ropas... total, que graban el disco, y ¡sale sin voces!, porque Shaun estaba demasiado drogado para cantar...jeje).
En 1988, sacaron su segundo álbum, "Bummed", que les convirtió en super-estrellas, sobre todo a Shaun Ryder. Supuso una notable mejora con respecto a su predecesor, y además mostraba como, pese a que aún sonaban algo inconsistentes, ya se empezaba a percibir su magia. En el año 1990, sacan a la luz su obra maestra y cumbre, "Pills 'o año publican su mejor álbum: "Technique", que contiene "Fine time", "Run" o "Round and round".
En 1990, publican el himno de la selección inglesa para el mundial de Italia 90, "World in motion", que se convirtió en número uno y marcó el punto álgido de su carrera. En 1993 publican "Republic", ya dentro de un sello mayor, tras la quiebra de Factory Records y tras el cierre de La Hacienda. Ese disco, otra obra menor, contenía grandes temas como "Regret".
Durante un periodo bastante largo, la banda queda en una especie de limbo, y sus miembros sólo se mueven para realizar proyectos paralelos, de mayor o menor éxito. Ocasionalmente, se reunían para realizar conciertos que calaron hondo en su público, como el del Festival de Reading de 1998. Publicaron alguna canción en alguna banda sonora, pero no fue hasta el año 2001, con "Get ready" (que recibió críticas tibias) cuando volvieron al candelero, ya sin Gillian Gilbert. Ya habían perdido gran parte de su magia de antaño, pero seguían teniendo tirón y, sobre todo, mucha influencia (hay están para demostrarlo Pet shop boys, Franz Ferdinand, Interpol...). El pasado 2005 publicaron su disco más pop, "Waitin' for the siren's call", que contenía alguna maravilla como "Turn" dentro de un conjunto algo más flojo. En la actualidad preparan la banda sonora para una película sobre la vida de Ian Curtis y en su horizonte la publicación de un nuevo disco. Por supuesto, New Order no son, ni de lejos, tan buenos como eran en Joy Division y ninguno de los supervivientes tiene el talento de Ian Curtis, pero es un gran grupo de pop-rock, que ha demostrado que sabe hacer música con clase y belleza.
En estas palabras que aparecen en la introducción del documental "A New Order story" (1993) se resume todo lo que se pueda decir sobre Joy Division y New Order:
"Esta es la historia de New Order. Es una historia implacable de comienzos y finales, de excesos y astucia, de orgullo e inmadurez. Es la historia del rock más curiosa y caótica y... ¿quién puede decir qué pasó realmente? New Order había estado unido de una u otra forma por 16 años. Desde un fondo sombrío, primero como Warsaw, luego como Joy Division, sus canciones angustiadas de depravidad y privación parecen sacudirse y moverse desde conflictos profundamente asentados. Su música era... fantástica. No muchos lo notaron, porque tras dos discos volátiles e íntimos, y justo cuando Joy Division se dirigía a su propia aventura sensacional de rock, quizá hasta volverse superestrellas perversas...su cantante, Ian Curtis, atormentado al fijo de la navaja entre el placer de todo y el dolor... se mató. Este fue un tipo de fin. Cuatro años de trabajo duro se desintegraron. Esta es una historia de New Order y de cómo superaron, cómo reconstruyeron, cómo volvieron a comenzar, cambiaron de idea y todo el cuerpo de lo que eran debido a una muerte... una miembro nuevo, un cambio de nombre, un representante que los adoraba... debido a la oscura música disco en la vida nocturna de Manchester, porque les importaba... porque no podía importarles menos... porque hay que reírse... porque hay que llorar. Esta es una historia de New Order... que convirtió a la vida pop en algo enloquecedor y peligroso. Buscaban el suceso y el reconocimiento, y sin embargo necesitaban guardar su privacidad. Deseos, seguros, glamour y anonimidad buscada todo a la vez. Pudieron haber firmado con cualquier discográfica del mundo y haber vendido tantos discos a escondidas como cualquier grupo. Al temer o desafiar un destino normal... ellos oblicua e indulgentemente se quedaron con su discográfica independiente de Manchester determinadamente no comercial, Factory Records. Era la única discográfica de la tierra suficientemente romántica para permitir que el grupo hiciera lo que les placiera, como les placiera y cuando les placiera. Estaban muy contentos. Aún cuando firmaron con un importante sello estadounidense, se les permitió ser tan soñadores como quisieran. El grupo era malcriado y audazmente se escaparon de las sombras de Joy Division para volverse el grupo pop más elusivo y drásticamente burlón, nuevamente al borde de volverse anti-superestrellas casi reales. Deben haber sabido exactamente lo que hacían. Esta es la historia de New Order, la historia que comienza con la historia de otro grupo."
Canciones esenciales:
Blue monday
The perfect kiss
Bizarre love triangle
Run
Regret
¡Tachán, tachán!
Después de unos días (más bien muchos días) sin poder ni tener ganas de escribir en este weblog, comienzo una nueva sección dedicada a realizar monográficos sobre grupos musicales, que espero poder realizar una vez a la semana, si todo va bien. Sin más preambulos, comienzo con el primer grupo: ¡Joy Division!
Mítico grupo inglés que surgió en 1977, tras la asistencia de Bernard Sumner y Peter Hook, guitarrista y bajista respectivamente, a un concierto de los Sex Pistols en Manchester, su ciudad de origen. Si por algo destacan los Joy Division dentro del mundo del primer punk es porque fueron los primeros que en vez de hablar de ira y violencia lo hicieron de estados de ánimos depresivos y sensaciones. Gran parte de culpa la tiene el cantante del grupo, Ian Curtis, que padecía epilepsia, enfermedad que muchas veces sus compañeros no eran capaz de distinguir de su peculiar y exagerada manera de bailar en el escenario. Con la incorporación de Stephen Morris a la batería, formaron Warsaw en primer lugar, y posteriormente, Joy Division, nombre proveniente de un grupo de mujeres que fue secuestrado por las SS para dar lugar a la raza aria perfecta. No era extraño ver a muchos neo-nazis en sus conciertos, pese a que ellos no abogaban por esas ideologías.
En 1978, llamaron la atención del popular presentador de televisión Tony Wilson, que les contrató para su sello discográfico Factory Records. Su primera realización fue un EP llamado "An ideal for living", donde se vio como querían distinguirse de la escena de su época, introduciendo sintetizadores en sus canciones, y dando más protagonismo a las melodías oscuras y tenebrosas que creaba Ian Curtis con sus profundas letras, cargadas de dolor tras un matrimonio roto a los 19 años. Para su primer LP, contaron con el excentrico Martin Hannett en la producción, que consciente de las limitaciones técnicas del grupo, intentó buscar un sonido innovador para la época. Así surgió "Unknown pleasures", su primer disco. El grupo no acabó de estar satisfecho con el sonido, ya que creían que perdía enteros respecto a sus incendiarios conciertos.
Precisamente era en directo donde la banda iba ganando popularidad, en parte debido a que se conocía la enfermedad de Curtis, que empeoró considerablemente en lo que a su salud respecta, mermando las posibilidades del grupo de salir de Inglaterra. Comenzaron así la grabación de su segundo LP, cuya carta de presentación fue la gran canción (probablemente su mejor canción) "Love will tear us apart". El éxito de la banda iba creciendo, asi que decidieron que ya había llegado la hora de intentarlo en EEUU.
Sin embargo, dos días antes de que dieran allí su primer concierto, Ian Curtis se ahorcaba, muriendo y acabando así con su carrera y con el grupo. La banda había llegado a un acuerdo de que si algún miembro de la banda se iba del grupo, éste dejaría de existir. Irónicamente, esto sucedió en el momento de mayor popularidad, gracias a "Love will tear us apart". El álbum post-morten del grupo se tituló "Closer", una auténtica joya de sufrimiento, angustia y pena existencial.
A principios de 1980, el resto de los miembros formó New Order, pero esa es otra historia...
De Joy Division habría que quedarse con que fue el primer grupo que dió un paso para que el punk evolucionn' thrills and bellyaches", que marcó el punto más alto de creatividad, de influencia y de éxito del grupo. El disco fue un éxito en Gran Bretaña, pero pasó desapercibido en Estados Unidos.
Posteriormente publicaron el disco "Yes, please", pero pasó desapercibido, pues Manchester ya no era noticia, y las largas noches en clubs, llenos de droga, sexo y música novedosa ya no llamaban la atención, pues se habían transladado al resto del mundo. Pese a todo el disco se vendió bien, pero no tuvo el impacto comercial esperado. Eso fue un golpe muy duro para el grupo, que no se recuperó. Shaun Ryder se había convertido, a espaldas del público, en un adicto a la heroína, lo cuál provocó que el grupo se fuera disolviendo. Cuentan la anécdota de que, durante una reunión con jefazos de la compañía, Shaun Ryder dijo que iba a comprar "unos Kentucky fried chicken", que era el apodo que ponían los miembros del grupo a la heroína, y que nunca volvió. El grupo se separó definitivamente.
Sus miembros han continuado realizando proyectos. Ryder, y el miembro bailarín y camello del grupo, Bez, formaron Black grape, que publicó en 1995 el aclamado disco "It's great when you're straight...yeah!", que mostraba un sonido que podría ser la continuación de los Happy mondays. En 1997 publicaron el peor acogido "Stupid, stupid, stupid". En 1999 se publicó una recopilación de grandes éxitos de Happy mondays y en 2005 salió a la luz el DVD "Live in Barcelona", muy grande. Shaun Ryder, por su parte, escribió un libro que se convirtió en la base de la película "24 hour party people" y, recientemente, colaboró en el segundo disco de la virtual banda Gorillaz, donde grabó el mejor tema de dicho disco, "Dare", que muestra que quien tuvo, retuvo; y que cuando Tony Wilson decía que Ryder era un genio no iba desencaminado.
Canciones imprescindibles:
- Kinky afro
- 24 hour party people
- Step on
- Loose fit
Esta semana cambiamos de país y vamos a Estados Unidos, a conocer a un grupo que popularizó un género musical que hasta entonces había sido minoritario: el metal industrial. Este grupo fue muy conocido a mediados de los 90 y, a día de hoy, mantienen su legado como uno de los grupos más emocionantes y sorprendentes del panorama más duro del país americano.
NINE INCH NAILS
La persona y cerebro que está detrás de este proyecto es Trent Reznor, único miembro fijo de esta banda, en la que da rienda suelta a sus obsesiones, preocupaciones y sentimientos más extremos. A diferencia del resto de grupos de metal industrial, Reznor dió una importancia vital a las letras en su música: todo giraba entorno a ellas. No todo son ruidos estridentes, sino que la visión muy humana que da en su música tiene un papel muy destacado. Además, venía influído por la música pop, lo que afectó en su música de forma que era mucho más digerible que la que hacían bandas de estilo similar.
Raznor nació en 1965 en la localidad de Mercer, y su vida se vio afectada por el divorcio de sus padres, que le hizo tener que vivir con sus abuelos gran parte de su infancia. Sin embargo, esta época, así como los años posteriores, fueron muy felices para él. Compaginó su afición por el rock, sobre todo por grupos como Kiss, con los estudios de música clásica y el aprendizaje de piano. Durante su adolescencia formó parte de diversos grupos, llegando incluso a publicar un álbum con uno llamado the Innocent.
Posteriormente, influido por la música industrial que realizaban Ministry y Skinny puppy, decidió crear Nine inch nails. Sus deseos, realizar algún disco con pocas canciones para alguna compañía europea, se convirtió en algo mucho más grande cuando muchas compañías estadounidenses le hicieron varias ofertas. Firmó con TVT, quienes publicaron, en 1989, el disco de debut de Nine inch nails, "Pretty hate machine". Comenzaron a tocar como teloneros de grupos de rock alternativos, con unos directos muy solidos, lo cuál aumentó la base de fans de NIN. Además, el single Down in it tuvo bastante buena acogida, al igual que el videoclip de la canción Head like a hole. Tuvo mucha importancia la participación del grupo en el primer festival Lollapalooza, en 1991, que provocó que su disco se llegara a vender hasta el millón de copias, todo un record para una compañía independiente.
Las peleas que mantuvo Reznor con TVT, le llevaron a ser contratados por Interscope, llegando a crear su propio sello, Nothing records. Aprovecharon la ocasión para sacar a la luz, en forma del EP "Broken", unas canciones que habían estado grabando, en 1992. Esta obra contenía muchos más guitarrazos que su predecesor y, pese a que se criticó diciendo que era difícil de escuchar, las ventas fueron muy buenas. Las letras reflejaban el hastío que habían provocado las peleas legales a Reznor. Y los videoclips eran mucho más duros, llegando a prohibirse la emisión de uno en el que se mostraba una tortura bastante cruda.
Reznor comenzó a grabar el segundo LP de NIN, mudándose a Los Angeles y realizando la grabación en la casa de Sharon Tate, la famosa víctima del asesino Charles Manson. Hay muchos rumores sobre hechos extraños acaecidos en aquellos días. El resultado fue la obra maestra del grupo, y uno de los mejores discos de los 90, "The downward spiral". Además de tener muy buenas ventas, el disco reflejaba la música más elaborada del grupo nunca. Tuvieron especial éxito dos canciones: Closer (que tenía el estribillo "I want to fuck you like an animal") y la maravillosa Hurt, posteriormente versioneada de forma magistral por Johnny Cash. Memorable resultó la actuación del grupo en el festival Woodstock'94, donde salieron al escenario llenos de barro y tocando como nunca. Si podeis ver videos en Youtube de ese concierto, no lo dudéis. Raznor colaboró con diversos artistas y en distintos proyectos, como las bandas sonoras de las películas "Asesinos natos" de Oliver stone y la maravillosa "Carretera perdida" de David Lynch. Con el dinero que sacó de todo ello, creó un estudio de música en Nueva Orleans, donde le produjo "Antichrist superstar" a su allegado Marilyn Manson, con quien realizó una gira.
No obstante, las cosas comenzaron a irle mal: tuvo una desavenencia con un miembro de su grupo, su abuela murió, y su amistad con Manson comenzó a deteriorarse. En 1999, salió a la luz el doble LP "The fragile", que mostraba una nueva dirección en el grupo, con la inclusión de muchos paisajes melódicos, muchas canciones lentas y una mayor presencia del piano. El disco comenzó en el número 1 en las listas, pero poco a poco fue perdiendo presencia: el panorama musical había cambiado, ya no era la era post-Nirvana, y la gente no estaba tan cercana a la música alternativa. La gira que siguió fue grabada en el disco y dvd "...and all that could have been", que muestran la impresionante fuerza y poderío de este grupo en directo.
Los problemas con las drogas de Raznor eran ya muy serios, ya que según él, necesitaba meterse algo todo el rato. Esto le llevó a sufrir una cura de desintoxicación, que precedió a la salida en 2005, el disco "With teeth", donde se mostraba la cara más vendible ara hacia otro estilo, aunque ese paso sería más definitivo en New Order. Lo más destacable era, sin duda, la increíble presencia de Ian Curtis y su portentosa voz grave, que sobresalía por encima del resto de la banda. Descanse en paz.
IAN CURTIS (1956-1980)
CANCIONES ESENCIALES:
She's lost control
Atmosphere
Love will tear us apart
de J.D. Salinger
"Nunca le cuenten nada a nadie. En cuanto lo hacen, empiezan a echar de menos a todo el mundo".
Un libro muy especial. Ni malo ni genial, simplemente un libro que no deja indiferente a quien lo lee. Historia urbana y tremendamente personal, cuenta todo lo que se le pasa por la mente a Holden, un chico con más problemas de los que debería, y una tendencia a tener ideas extrañas y a desvariar.
Lo mejor de la historia para mí son las partes que está en el hotel y su relación, tremendamente tierna, con su hermana. Historia que a ratos conmueve, a ratos asusta y a ratos preocupa, sobre todo cuando más de una persona te dice que te pareces al protagonista...Menos mal que a mí si me gusta el cine.
Te gustará si te gusta el persona. Si te cae gordo, olvídate, pues toda la obra gira entorno a él y sus pensamientos. A veces se hace un poco cargante.
Se hace corto de leer, y tiene pasajes muy divertidos y reflexivos. Una de las novelas más populares del siglo XX.
de Dan Brown
Una trama en principio muy interesante: la posibilidad de que exista vida extraterrestre. Una trama de intereses por llegar a la Casa Blanca y por mantenerse en ella. Intereses familiares. Intereses económicos. Ciencia y política.
Aunque el libro parte de una premisa más que apetecible, va de más a menos para mi gusto, hasta convertirse en otro libro de aventuras, además con montones de tecnicismos científicos que acaban por hacer difícil incluso seguir la lectura con interés.
Lo mejor es la trama política, que recuerda por momentos a la gran serie "El ala oeste de la Casa Blanca". Demasiados giros de guión, y un final bastante predecible.
Buen libro, pese a todo, pero mejorable.
24 HOUR PARTY PEOPLE
de Michael Winterbottom
O como pasar de los Sex Pistols a la música rave. Retrato de una serie de años en la ciudad de Manchester, en Inglaterra. Retrato de la vida de Tony Wilson, uno de los artífices de lo que sería el movimiento "Madchester", su vida personal y profesional, y su aportación a la vida de una serie de grupos musicales. En especial tres: Joy Division y su continuación New order, y los Happy Mondays.
Película que mezcla documental con drama y comedia. Una película en la que caben desde el suicidio de Ian Curtis a la aparición de un OVNI y una charla con Dios. Sexo, drogas y rock'n'roll en estado puro. Sobre todo sexo y drogas. Pero música también, y esa es la mejor parte de la peli. La banda sonora es acojonante.
Muy buenas actuaciones, en especial de su protagonista Steve Coogan. La película no destaca por su dirección ni su fotografía, sino por su muy conseguida mezcla de géneros, para convertirla en una película musical muy altamente recomendable. Me sorprendió en su momento porque supuso que descubriera un mundo musical desconocido por mí hasta entonces: "Blue monday" de New Order, las actuaciones delirantes y psicodélicas de los Happy Mondays...
No hace falta que se conozca a estos grupos para disfrutar de la peli, puesto que lo importante es ver cómo evoluciona todo, independientemente de los grupos. Y sobre todo, Manchester, que está ahí presente aunque invisible.
LOVE IS HELL
de Ryan Adams
El disco más oscuro y depresivo de Ryan Adams. Y también, para muchos, el mejor. Para mí estaría entre los dos mejores, junto a "Heartbraker".
Compuesto tras una crisis sentimental, como ya le ocurriera durante la grabción de su primer disco, "Heartbraker", este disco está lleno de dolor, odio, arrepentimiento, soledad y deseo de amor. Pero, en este disco, a diferencia de aquél, está lleno de guitarras eléctricas, piano, música que envuelve unas letras muy elaboradas.
La voz de Ryan llega hasta limites inusuales en este disco, llegando incluso a susurrar en algunas canciones de manera muy bella. En otras, sin embargo, grita como un energúmeno.
Hay canciones que se dejane escuchar sin más, como "Political scientist" o "Afraid not scared". Otras, como "My blue Manhattan", "Avalanche" o "City rain, city streets", son de las mejores composiciones que haya hecho. Y consigue algunas de sus melodías más bellas en "English girls approximately" o "Please do not let me go".
Para mí, las mejores son "This house is not for sale" y "World War 24". Tremde NIN por un lado, pero por otro la mejor música que habían hecho en años, desembocando en la preciosa balada Right were it belongs (la frase no es mía, es de la Rolling Stone, "tan melódica que Johnny Cash debe estar cantándola en el cielo).
Canciones imprescindibles:
- March of the pigs
- Closer
- Hurt
- Something I can never have
- Wish
- The fragile
- The hands that feeds
- Right were it belongs
Esta semana hablaremos de un artista relativamente nuevo, pero que ya apunta muy alto. Lo descubrí hará cosa de un año, pero para mí es ya un imprescindible. Es un showman excesivo, y se le pueden achacar muchas cosas, sobre todo su comportamiento en los conciertos; pero no se puede negar que su música, en muchos casos es maravillosa.
RYAN ADAMS
Nacido en Jacksonville, North Carolina en 1974. Sus primeros gustos musicales fueron muy folkies y countries , ya que era aficionado a gente como Johnny Cash o Loretta Lynn; pero poco a poco fue desarrollando afición por la música punk (esta mezcla está muy presente en su obra). Comenzó a tocar la guitarra y escribir canciones con 15 años. Cuando ya cumplió los diecinueve, comenzó a formar sus propias bandas, primero en el ámbito local, para poco a poco comenzar a expanderse.
Ya en 1994, formó Whiskeytown, banda clave de los 90 de la música americana. Con ellos tuvo un importante éxito de crítica y un buen nivel de ventas. Los discos que publicaron fueron "Faithless street", "Stranger's almanac" y "Pneumonia", dejando en el público un muy buen sabor de boca, tanto en sus impresionantes actuaciones en directo como en unos discos llenos de momentos mágicos. Sin embargo, las tensiones dentro de la banda eran muy fuertes y el sello discográfico al que pertenecía desapareció, dando al traste todo ello con el trabajo, suponiendo a finales de 1999 la separación formal.
Adams no quiso perder el tiempo, y muy pronto comenzó a trabajar en su primer disco en solitario. Fue a un estudio de Nashville y allí contó con la ayuda de varios escritores de canciones, y en el año 2000 sacó su primer (y probablemente mejor) disco "Heartbreaker". El título del álbum hacía referencia a una reciente ruptura amorosa con la que había sido la novia de toda la vida, Amy, que está presente en todo el disco (de hecho hay una canción titulada "Amy"). Son canciones sosegadas, en las que en muchas apenas hay nada más que voz, guitarra y una harmónica ocasional. Pero sin duda, es un disco profundo que puede gustar a los más exigentes. El disco tuvo unas críticas excelentes y unas ventas relativamente buenas, y Ryan contó con el apoyo de artistas como Elton John, hasta que fue fichado por el sello Lost Highway Records.
En 2001, publica su segundo disco, "Gold", en el que la influencia country es mucho menor que en "Heartbreaker", decantándose aquí por un sonido más parecido al pop-rock de los 70 y de grupos como The band. Fue significativo el hecho de que la canción "New York, New York", la que abre el disco, se convirtiera en un himno tras los ataques del 11-S, pese a hablar de una ruptura amorosa. De nuevo, gran éxito de crítica y mayores ventas, que le convirtieron en el "próximo gran artista". Su disco fue nominado a tres Grammys, aunque no ganó ninguno, pero ayudó a que, a día de hoy, éste sea el disco más vendido del artista.
Adams siempre ha sido muy prolífico a la hora de escribir canciones, como se ve por el hecho de que para el 2002 ya tuviera 60 canciones más. Finalmente, escogió trece y sacó un nuevo disco, basado en las demos de "Gold", que tituló "Demolition". En este disco los estilos que se recogen son mucho mayores, ya que hay lugar para canciones muy tranquilas y para temas con mucha caña.
En 2003, Ryan se presentó en su sello con "Love is hell", un doble EP que contenía unas canciones demoledoramente tristes y oscuras. En aquella época había tenido romances con famosas como Winona Ryder y la cantante Alanis Morrisette (a quien le escribió gran parte de las letras de un disco). La compañía le dijo a Ryan que no podían sacar a la luz un disco así. Ryan negoció y logró un acuerdo: grabaría un álbum accesible, con la condición de que "Love is hell" viera la luz. Así, en el 2003, salió a la calle "Rock & roll", el disco más punk de este cantante, y tal vez el menos conseguido, pues pese a contar con un puñado de buenas canciones, el conjunto dejaba un tanto indiferente.
Afortunadamente, en 2004, Lost Highway cumplió, y un doble EP, titulado "Love is hell" (parte 1 y parte 2, aunque posteriormente juntarían los dos en uno) fue publicado. Probablemente, la obra cumbre de Ryan Adams. El disco, que reflejaba el infernal estado de ánimo por el que pasaba el cantante tras la muerte por cáncer de su amiga (y una vez novia) Carrie Hamilton, es el disco que quizás refleje mejor el asco que puede sentir una persona por la vida (ese verso de "City rain, city streets" que dice: "te follé millones de veces...y has muerto" es desgarrador). El disco es a día de hoy el que la mayoría de sus fans cree que es su mejor obra y aquella que le consolidó entre los mejores artistas de su generación, al ser nominado (sin vencer al final) al Grammy por su versión del tema de Oasis "Wonderwall".
A principios de 2005, Adams sorprendió a todos al asegurar que ese año iba a publicar tres discos. Y no mintió. En mayo publicó "Cold roses", un doble disco, que le juntaba por primera vez con un grupo de estudio, The Cardinals. Era la primera vez que un disco de Adams contaba con tanto apoyo musical, llegando incluso a tener coros. En septiembre salió a la luz "Jacksonville city nights", que también contaba con la presencia de ese grupo, pero cuyo sonido era bastante más oscuro y austero que su predecesor, el álbum más country de Adams. Por último, en diciembre vio la luz "29", ya sin la ayuda de los Cardinals, que trae de vuelta a un Adams triste, melancólico, sencillo y con muchas referencias a grupos setenteros, como Grateful dead. Al mismo tiempo, colaboró en la banda sonora de la película "Elizabethtown".
Ryan es un artista tan grande, que puede llegar a hacer canciones maravillosas con cualquier instrumento, incluso tan sólo surrurando con su voz, que tiene que dar mucho que hablar en el futuro.
Canciones imprescindibles
(Soy incapaz de escoger tan sólo unas pocas, así que serán dos de cada disco):
- De "Heartbreaker": Come pick me up; Oh my sweet Carolina
- De "Gold": La Cienega just smiled; Somehow, someday
- De "Demolition": Cry on demand; Tomorrow
- De "Rock & roll": Rock & roll; Wish you were here
- De "Love is hell": Avalanche; City rain, city streets
- De "Cold roses": How do you keep love alive; Dance all night (la única canción optimista deendas.
Os gustará si os gusta Ryan Adams. Os gustará si os gustan los discos profundos, para meditar en un día de nube negra. Una gran obra de un gran artista.
X & Y
de Coldplay
Lo intento. Le pongo ganas. Lo escucho varias veces. Me gusta. Tiene canciones cojonudas. De hecho, todas son muy buenas (salvo "Twisted Logic" y " Low", buenas o normalitas). Pero me deja demasiado frío para ser Coldplay, uno de mis grupos preferidos.
Es difícil sacar un tercer disco, y más cuando los anteriores eran tan buenos. En el 2000 me empezaron a gustar bastante con "Parachutes", en 2002 se comieron el mundo con "A rush of blood to the head". Pero nadie se esperaba este disco. Han desconcertado. En mi opinión, pese a ser un muy buen disco, es un pequeño paso atrás. No pasarán a la historia por este disco.
Lo peor del disco es darse cuenta de lo poco que se esfuerza Chris Martin en ser tan bueno como puede ser. Se deja llevar un poco, no lo da todo. Y el grupo pone de su parte, pero suena raro. Te deja frío. De las 13 canciones del disco, a diferencia de los dos discos anteriores, no hay ninguna canción que suene a single o a éxito. Eso es lo de menos, pero da que pensar. Sobre todo cuando quieren ser más grandes que U2 (cosa que ya consiguieron, a mi juicio). Y les imitan más que nunca, con canciones más épicas, con más instrumentos; y menos acústicas. Y ahí pierden.
Sobran momentos de relleno, música de fondo, sintetizadores... Falta voz, enganche y ganas. Por momentos suena incluso muy infantil y repetitivo (sino que alguien cuente cuantas veces dicen "try" en el disco...). La mejor del disco, "The hardest part", no la tocan en concierto. Fallo. Suenan muy bien "Fix you" (aunque le sobran sintetizadores al principio), "Talk" (sobre todo por la parte de guitarra, sacada de un grupo alemán) y "What if". Gustan "X & Y", "Speed of sound" y "Swallowed in the sea" (¡por fin algo acústico!). Dejan frío "White shadows", "Square one" y "A message" (mucho).
¿Y estos son los que hicieron "Politik", "Warning sign", "Sparks" y "The scientist"? ¿Me he perdido algo? Me gusta, pero no sé que pensar. Espero que sea sólo un intento de desconcertar a la gente y que para el próximo disco vuelvan a ser tan grandes como son. Everything's not lost.
de Nick Hornby
Mi libro preferido, sin duda. La película (que vi antes de leer el libro) es cojonuda. Pero el libro
...
Nick Hornby retrata la historia de un hombre que dirige una pequeña tienda de discos junto a dos amigos y las discusiones acerca de música, televisión y cine que tienen los tres (se dedican a hacer listas sobre "los 5 mejores..."). Ese mismo personaje acaba de romper con su chica, con la que llevaba unos años saliendo. Eso le da pie a hacer un repaso sobre su vida amorosa, comenzando con "Las 5 rupturas que más dolieron". Posteriormente, vemos como el protagonista trata de recomponer su vida sin su chica, y a la vez intenta recuperar esa vida, intentando entender por qué ocurrió.
Un libro muy divertido (increible el chiste acerca de que alguien debería dispirar a los Beatles
), pero que deja una sensación agridulce, puesto que es muy reflexivo también, acerca de las relaciones y acerca de la música como vía de escape y reflexión para la angustia de esa separación.
Cuando leí este libro, yo mismo acababa de pasar por una ruptura sentimental, y quizás por eso entendí el mensaje del libro en plenitud, aparte de porque soy una persona bastante empática.
De nuevo, el libro es especialmente recomendable para amantes de la música, pero creo que gustará a cualquier persona reflexiva y que esté dispuesta a pensar acerca de las rupturas y del amor. Y sino, siempre queda la pelicula, que está muy bien, pero es peor que el libro (como en casi todos los casos).
Y, por cierto, en la peli hay un cameo genial de Bruce Springsteen.
Uno de los mejores momentos.
de Nick Hornby
Este es el título del libro que he leído en un par de días. Está escrito por Nick Hornby, escritor de "Alta fidelidad" (mi libro preferido ) y mi escritor preferido (más ahora que he leído este libro).
En este libro, Hornby habla sobre las sensaciones, meditaciones y recuerdos que le traen 31 canciones que han significado algo para él a lo largo de su vida. Hornby es un amante de la música y la vive intensamente. En este libro habla de canciones de Bob Dylan, Jackson Browne, Suicide, Led Zepellin, Nelly Furtado (
no todo va a ser tan bueno...)...y, por supuesto, de Bruce Springsteen, concretamente de "Thunder road", posiblemente su mejor canción, y uno de los mejores capítulos del libro. Me encantan algunos momentos, como cuando compara la manera en que una canción empieza a formar parte de tí con el enamoramiento, o las reflexiones que hace acerca de cómo la música que escuchamos, en parte, marca nuestra forma de ser.
Sin duda, como ocurrió con "Alta fidelidad", es un libro con el que me he identificado muchísimo, y aunque hay capítulos un poco más flojos y pesados, hay otros que son sencillamente geniales, y de nuevo me deja la sensación de que Hornby y yo tenemos muchas cosas en común...Pero después de leer este libro, me quedo con la idea de que Hornby soy yo dentro de unos años...En serio, ha pasado por las mismas etapas musicales que yo (sólo que diferentes épocas, porque él, evidentemente, nació mucho antes).
Un libro que gustará a los que les encanta la música (los que la aprecian de verdad, no sólo como divertimento, sino como una forma de expresión de sí mismo). Muy bueno.Y corto.
- De "Jacksonville city nights": Dear John; The hardest part
- De "29": Starlite dinner; Elizabeth, you were born to play that part
DISFRUTEN DE RYAN, LO RECOMIENDO FERVIENTEMENTE
Bueno, tras mucho tiempo sin poder escribir aquí, vuelvo con uno de mis grupos preferidos, un grupo que descubrí hace no mucho tiempo, pero que me parecen maravillosos. Es una banda inglesa de nombre Pulp, que junto a Oasis y Blur fue la punta del movimiento llamado Brit-pop, de mediados de los 90. Pero para mi gusto, fue la mejor banda de ese movimiento, junto quizás a The Verve y Suede.
PULP
La carrera de Pulp hacia el éxito no fue precisamente corriente. No consiguieron un reconocimiento rápido ni fueron decayendo poco a poco. De hecho, tardaron mucho en conseguir un puesto importante en las listas de éxitos, concretamente 12 años. Pero a mediados de los 90 comenzaron a tener audiencias multitudinarias en sus conciertos y sus singles y discos llegaban muy alto en las listas de ventas. Hasta ese momento, el grupo ya había sufrido muchos cambios, no sólo de miembros, sino también de estilo musical: comenzaron sonando a una mezcla de David Bowie y Roxy Music, pero fueron introduciendo nuevos estilos: acidhouse, disco, new wave...
El líder del grupo es Jarvis Cocker, cuyas letras amargas, irónicas y sexuales eran lo más representativo que tenía Pulp y que les diferenciaba de compañeros con letras más flojas (y en algunos casos lamentables) como los mencionados Oasis. El grupo comenzó a tener más éxito cuando su sonido y sus letras se hicieron más glamourosas, aunque hablaran de los problemas de la clase obrera. Jarvis Cocker creó Pulp en 1978, cuando tenía 15 años. El grupo estuvo muchos años dando conciertos y tuvieron alguna que otra oportunidad de saltar a la fama, pero todo acababa siendo en balde. Incluso Jarvis llegó a abandonar el grupo para estudiar en la universidad, desanimado por la falta de éxito.
Pero, un año después, se animó y reunió Pulp, aunque esta vez con nuevos miembros y con el primer cambio de sonido destacable: sonaban ligeramente folkies. Grabaron en 1984 su disco de debut, "It", que pasó totalmente desapercibido y provocó un nuevo desmembramiento del grupo. Cocker decidió entonces volver a escoger a nuevos miembros para la banda y seguir adelante. Se incluyó a un pianista, intentando buscar sonidos más oscuros; pero varios miembros acabaron por dejar el grupo, quedando éste paralizado momentaneamente. Lo más grave fue el accidente que sufrió Cocker durante una grabación, que le provocó varias lesiones y le dejó en una silla de ruedas durante dos meses, pero eso no evitó que ofreciera algún que otro concierto.
En 1986, Pulp grabó su segundo disco "Freaks", mucho más oscuro. Tras más cambios de formación, consiguieron unos miembros estables, pero el éxito no acababa de llegar. Cocker y Steve Mackey fueron a estudiar al St. Martin's College, durante cuya estancia, les fue ofrecida la posibilidad de grabar un nuevo disco. El resultado: "Separations", de 1989, con sonidos acidhouse y pop. Un single del disco, "My legendary girlfriend", fue nombrado por NME Single de la Semana en 1991, y la carrera de Pulp comenzó a despegar.
Para mantener este éxito, comenzaron a grabar una serie de singles, como "Babies", que llamó la atención de la compañía Island Records, que recopiló todos los singles del grupo en un disco llamado "Pulpintro". En 1994, realizaron su debut para una mayor, titulado "His 'n' hers", que obtuvo críticas muy positivas y un importante número de ventas, siendo incluso nominados para algunos premios de la música. Jarvis Cocker aprovechó el tirón que tenía para realizar numerosas apariciones televisivas, siempre llenas de comicidad, convirtiéndole en un héroe mediático y en un sex symbol.
Pero hasta 1995, el éxito no fue masivo, con el single "Common people", llegando al número dos de la lista inglesa. Su participación en el Glastonbury Festival fue el lanzamiento definitivo, consagrándoles. El camino ya había sido establecido para la salida de "Different class" su disco más éxitoso, tanto en Inglaterra como en EEUU.
Jarvis Cocker continuó aumentando su fama gracias a una aparición en unos premios donde, imitando a Michael Jackson, enseñó su trasero. En 1998, el nuevo disco del grupo "This is hardcore" fue un nuevo éxito, pero con un sonido mucho más oscuro e inquietante, aunque menos conseguido en general que su predecesor. Los miembros del grupo comenzaron a realizar proyectos en solitario, hasta la salida en 2001 del disco "We love life", que tuvo un gran éxito de crítica. Aún no han publicado nada nuevo, salvo un DVD que recoge actuaciones en directo.
Canciones imprescindibles:
- Common people
- Razzmatazz
- Do you remember the first time
- Disco 2000
- Trees
Bueno, que tengo ésto dejado un poco de lado. Esta semana voy a hablaros de uno de los que ha sido siempre mis grupos favoritos y que me ha hecho pasar muchos grandes momentos escuchándolos. Una de las bandas clave de los 90 en Estados Unidos y uno de los grupos pioneros del grunge.
PEARL JAM
Los orígenes de Pearl Jam se encuentran en lo que quedó del grupo Mother Love Bone. El cantante de ese grupo, Andrew Wood, había muerto de sobredósis en 1990, y el resto de miembros se movieron para formar un nuevo grupo. El guitarrista Stone Gossard y el bajista Jeff Ament, se juntaron con el guitarrista Mike McGready y el batería de Soundgarden Matt Cameron. Era Seattle. Eran los 90. Era el momento de hacer surgir el grunge. Escucharon una demo cantada por Eddie Vedder, y les encantó, pidiéndole que fuera su cantante, formando un grupo que se llamó Mookie Blaylock (como un jugador de la NBA de la época).
Posteriormente cambiaron su nombre por el de Pearl Jam y comenzaron a grabar el que sería su debut de 1991, "Ten". Probablemente el mejor disco grunge que se haya hecho y un debut en el que la banda dejó todo. Se notaban las influencias de grupos como The Who, y el sonido tenía reminiscencias de My bloody valentine. Al principio el disco no vendió mucho, hasta que en 1992 Nirvana cambió el mundo con "Nevermind" y el disco de Pearl Jam se hizo más conocido. De hecho, Pearl Jam vendió más que Nirvana en poco tiempo, gracias a canciones como "Jeremy", "Evenflow", "Alive", que se distinguían por tener sonido propio de conciertos de estadios y potentes y pegadizos estribillos. En eso no se parecían a Nirvana.
El éxito de la banda siguió aumentando, incluso apareciendo en la película "Singles" de Cameron Crowe, basomentarios (0)
de Nick Hornby
Otro libro de Nick Hornby que me ha gustado muchísimo.Este libro fue adaptado al cine en la película "Un niño grande", que no he visto, y que está protagonizada por Hugh Grant (actor que detesto, por otro lado...). Trata sobre un hombre millonario que para poder ligar más decide fingir tener un hijo y estar separado, cuando en realidad detesta a los hijos. Pero de ahí surgirá una relación muy especial con el hijo de otra chica, al que tratara de "educar", en cierto modo, para que no sufra en el colegio, con su madre y en el amor.
La verdad, un libro bastante ameno y muy divertido, y a la vez profundo (característica de todos los libros de Nick Hornby), y en el que la música (en este caso Nirvana y Kurt Cobain en especial) tienen un papel destacado.
Un libro muy recomendable.
de Nick Hornby
Otro libro de Nick Hornby, y, aunque me ha gustado, no tanto como los otros. Se me ha hecho más pesado, más que nada porque era más largo, aunque había partes que estaban bastante interesantes. Trata sobre una mujer que se plantea el divorcio con un esposo que escribe una columna en la que despotrica de las cosas que le sacan de quicio. Después de una crisis en la que se habla de divorcio, su marido sufre una conversión y empieza a interesarse por los demás, a intentar ser una buena persona, ayudar a los necesitados. Lo mejor del libro son las reflexiones de la mujer y su relación con sus hijos. No está nada mal el libro, pero no me ha llegado tanto.
de Dan Brown
De nuevo Dan Brown mezcla religión y ciencia en una novela en la que los protagonistas son los Illuminati y el Vaticano.
Para mi gusto mejor que "El código Da Vinci", con una historia más conseguida y con un ritmo mucho menos desigual que esa. La historia te atrapa más, al suceder todo en una cuenta atrás para evitar la destrucción, y en la que los giros de guión son mucho más coherentes. Aunque hay momentos en los que no se puede evitar pensar que cae en el ridículo, sobre todo en cuanto a la relación entre el protagonista, Robert Langdom y su acompañante en esta ocasión.
Una novela interesante y que puede llegar a atrapar.
MATCH POINT
de Woody Allen
Como cada año, Woody Allen estrena una nueva película. Este año se trata de "Match point", protagonizada por Jonathan Rhys-Meyers, Scarlett Johansson y Emily Mortimer. Trata de el ascenso social de un profesor de tennis y de su doble juego con dos mujeres, y de cómo se obsesiona con una mientras tiene una relación con la otra y de cómo una se convierte en un problema que hay que eliminar. Típica historia Woody Allen.
Sin embargo, la película es un golpe maestro. Lo más diferente que ha hecho Woody Allen en muchos años y lo mejor también. Su mejor película, para mi gusto, desde "Desmontando a Harry", y una película con grandes parecidos a "Delitos y faltas". La película va creciendo poco a poco, desconcertando al espectador, hasta que llega el juego final, soberbio y en el que se remata al espectador con un golpe final inesperado y genial.
Magnífica y muy recomendable película.
!OLVÍDATE DE MÍ!
de Michel Gondry
Una de las películas más inspiradoras de los últimos tiempos. Una historia de amor atípica.
Cuenta la relación de Joel y Clementine. Cuenta como nace el amor entre ambos, como se establece una relación seria, como la relación se deteriora hasta que llegan a odiarse y como la relación termina. Cuenta como Clementine utiliza un novedoso sistema para borrar de su memoria todo recuerdo de Joel, y cómo éste, cuando se entera, se venga borrandola a ella de su memoria. Y cuenta cómo revive la relación, desde el final hasta el día que se conocieron y como se arrepiente de lo que está haciendo.
No cuento más, porque esta película se disfruta más cuanto menos se sabe.
Una película con un guión soberbio, perfecto de principio a fin. Todo queda atado magistralmente. Actuaciones muy destacables, tanto de Jim Carrey como de Kate Winslet, ambos haciendo papeles diferentes a los que siempre hacen.Es una historia de amor que mezcla romance, comedia, ciencia ficción e incluso terror. De hecho, es la peli de amor más terrorífica que haya visto. Es descorazonadora.
Al final, queda claro que, aunque muchas veces se sabe que el amor es algo muy duro y que muchas veces es una batalla perdida de antemano; es lo único que nos hace estar vivos y es lo que más merece la pena en la vida.
Mejores momentos
-"Te quiero... búscame en Montauk"
-La escena de la lluvia dentro de la casa
-La escena en el río helado (la primera vez en la peli)
de Jim Jarmush
Impresionante y conmovedora película.
Don Johsnton (Bill Murray)pierde a su novia (Julie Delpy).ada ligeramente en ellos. Sin embargo, el grupo no quería caer en una espiral de éxito, asi que comenzó su particular cruzada contra el sistema, negándose a publicar singles en su siguiente trabajo, "Vs.", en 1993. A pesar de ello, fue un enorme éxito comercial, llegando a vender un millón de copias sólo en su primera semana. Sufrieron una polémica durante su gira americana de 1994, por los precios de las entradas y enjuiciaron a la compañía encargada de ello, aunque acabaron perdiendo. Mientras tanto, comenzaron a grabar un nuevo disco. Jack Irons se convirtió en el nuevo batería.
A finales de 1994, publicaron el disco "Vitalogy", que tenía un diseño parecido a una Biblia. Fue un nuevo éxito, pese a publicarse antes en vinilo que en CD por deseo expreso de la banda. Era un disco más rockero. Durante 1995, el grupo grabó un disco junto al gran Neil Young, llamado "Mirror ball". Su nombre no apareció junto al de Young en el disco por cuestiones legales.
En 1996, publicaron su nuevo disco "No code", que pese a tener bastante calidad, comenzaba a marcar el declive del grupo. Se trataba de algo muy experimental y disgustó a muchos de sus fans. Por problemas legales, no podían comenzar una gira a escala mundial, asi que se dedicaron a proyectos paralelos, mientras grababan un nuevo disco. Se publicó en 1998, con el título de "Yield", que era un disco mucho más hard-rockero, aunque era algo más flojillo. Comenzó con muchas ventas, en parte gracias al éxito del single "Given to fly", pero pronto se hundió en las listas. A continuación realizaron una gira mundial y grabaron su primer disco en directo, "Live on two legs". Matt Cameron fue batería durante esa gira y sustituyó al anterior que tenía problemas de salud.
Tuvo gran éxito la publicación del single "Last kiss", una versión muy pedida por los fans. Posteriormente, comenzaron a grabar un nuevo álbum, titulado "Binaural", que recibió las peores críticas y ventas del grupo en el año 2000, pese a canciones de gran calidad como "Light years" y singles de cierto éxito como "Nothing as it seems". Realizaron una gira mundial de la que grabarían un disco en directo por cada concierto. La tragedia se cebó durante un concierto en el Festival de Roskilde en Dinamarca en el que murieron nueve personas por una avalancha. También grabaron un DVD de esa gira, titulado "Touring band 2000".
Con un importante cambio de aspecto, volvieron en 2002 con el disco "Riot act", con el que querían recuperar su antigua irreverencia y polémica. No tuvo ni muy buenas críticas ni buenas ventas, pero mejoraba algo la calidad general anterior. Volvieron a grabar discos en directo de los conciertos realizados para la gira. Publicaron en 2004 dos discos. El primero un recopilatorio de rarezas y caras B, titulado "Lost dogs", una joya que mereció más atención. El segundo: su primer directo acústico, otra joya. Participaron en la BSO de la película "Big fish" con la preciosa canción "Man of the hour". Y por último, publicaron un recopilatorio de toda su carrera tras el fin de su contrato con Sony, titulado "Reaviewmirror".
Dentro de pocos meses publicarán un nuevo disco, que esperemos les devuelva a la gran calidad que han tenido. Un grupo genial, que ha aportado mucho, pero no es revindicado en justicia. Han pasado 16 años, y ahora son un grupo de fans más que otra cosa, pero ahí están, sobreviviendo al grunge.
Canciones esenciales:
- Once
- Alive
- Daughter
- Corduroy
- Light years
- Man of the hour
Buenas. En esta ocasión hago un cambio radical de estilo con respecto a todo lo anterior. Nos pasamos a uno de los nombres más importantes del new-age y a uno de los compositores de algunas de las mejores y más famosas bandas sonoras de la historia.
VANGELIS
Nacido en Grecia el 29 de marzo de 1943, con el nombre de Evangelos Odyssey Papathanassiou. Pese a que se le reconocío enseguida como un gran talentoso al piano, no quiso ser enseñado por nadie y prefirió ser autodidacta. Al acabar los estudios, forma en los años 60 un grupo llamado Formynx, que fue el grupo más popular en las tierras helenas durante un periodo de tiempo. Tras el éxito, ya bautizado como Vangelis, decide emigrar a Paris, en el año 1968, justo antes de las revueltas estudiantiles. Como no podía volver a Grecia, decide formar un grupo que llama Aphrodite's child, que tocaba rock progresivo. Junto a él, en esta banda estaban los también griegos Demis Roussos y Lucas Sideras. Con este conjunto, tuvieron un grandísimo hit, titulado "Rain and tears" (no creo que sea ningún antecedente del discurso final de Blade Runner).
Ya en 1972, Aphrodite's child se separan, y Vangelis pasa a trabajar con el director de cine francés Frederic Rossif, para que compusiera las bandas sonoras de las películas "L'Apocalypse des animaux" y "La fête sauvage". En 1974, compone el que será su primer disco en solitario, titulado "Earth". Se rumoreó mucho con que Vangelis iba a juntarse a la banda de rock progresivo Yes, y aunque llegó a tocar con ellos en algunos ensayos, no se produjo la unión. Sin embargo, se hizo muy amigo del cantante de ese grupo, Jon Anderson, con quien colaboraría en los siguientes años.
Vangelis emigra a Londres, y decide continuar con su carrera en solitario, creando su propio estudio de grabación. En 1975 compone "Heaven and hell", en 1976 "Albedo 0.39", en 1977 "Spiral" y en 1978 "Beaubourg". Comienza una colaboración entonces con Jon Anderson, y componen una serie de canciones que tuvieron mucho éxito como singles en el Reino Unido, tales como "I hear you know" en 1980 y "I'll find my way home" en 1981.
A partir de entonces comienza a dedicarse especialmente a componer bandas sonoras. Su éxito rompedor llega con la banda sonora de "Carros de fuego", en 1982, que le llevó a ganar el Oscar a mejor composición, además de a tener mucho éxito en Gran Bretaña y EEUU. Quizás aún más importante, aunque menos conocida, fue su composición para la banda sonora de la película de culto de ciencia-ficción, la increíble "Blade runner", ese mismo año. A partir de entonces, comenzó unas colaboraciones con el director de esa película, Ridley Scott, en bandas sonoras como la de la película "1942: la conquista del paraíso". También colabora para dar musicalidad a muchos documentales del oceanógrafo Jacques Cousteau.
Mientras tanto, continúa con su carrera en solitario, sacando LP's como "The mask" en 1985, "Antarctica" en 1988, "The city" en 1990 y "El Greco", su última obra hasta el momento, en 1998. Además, en 1992, fue nombrado por Francia Caballero del orden de las Artes y las Letras.
El de Vangelis es un nombre imprescindible para comprender una serie de músicas de gran tirón a principios de los 80, además de significar el acompañamiento musical idóneo para películas de por sí imprescindibles.
Imprescindibles:
-Banda sonora de "Carros de fuego".
-Banda sonora de "Blade runner", sobre todo "Love theme from Blade runner" y "Blade runner blues"
Bueno, esta semana dejo Inglaterra por fin y dejo de hablar de música de los 70 y 80. Ya iba siendo hora de cambiar de aires. Conozcamos a una de las bandas más emocionantes, intrigantes e interesantes que existen a día de hoy en el mundo. Sí, no sé cuantos de vosotros la conoceréis. Yo hace poco que les conozco, y fue a raíz de una crítica de un concierto que apareció en la Rolling Stone que decía: "5/5: Cuando un concierto se convierte en un acto creativo. Si A continuación, recibe una carta en la que le dicen que tiene un hijo de 20 años. No sabe quien es la madre, pero decide, con ayuda de su vecino (un pseudo-detective de 2ª), ir a buscar a sus novias de la época para encontrar quien es la madre.
La película comienza como una comedia (desde el vecino hasta la aparición del personaje de Sharon Stone y su hija), pero poco a poco se va convirtiendo en una historia cada vez más dura y amarga. Los personajes femeninos son dibujados de una manera impresionante: Sharon Stone , Frances Conroy (increíble personaje e increíble la casa donde vive), Jessica Lange, Chloé Sevigny y Tilda Swinton (que con una sola escena es capaz de mostrar todo el carácter que tiene su personaje).
Cuando acaba la película, sólo queda la sensación de que en la vida nunca se encuentran las respuestas, sino que a cada pregunta le responde otra.
Un Bill Murray en estado de gracia, más comedido y hierático aún que en Lost in Translation y casi tanto como en Academia Rushmore, consigue dar el tono perfecto para un personaje de Don Juan venido a menos, agridulce, pero al que se le coje cariño. Esto es algo que sucede con todos los personajes de Murray: son personas llenas de defectos y que echan para atrás en un principio, pero a los que siempre se consigue acabar por coger cariño.
Mejores momentos
-La conversación final
-Bill Murray en casa de Frances Conroy
-Bill Murray solo en el aeropuerto
Recomendada para los que busquen una historia que no dará respuestas a nada ni supondrá ningún cambio importante en el pensamiento, pero que es capaz de llegar y tocar partes a las que no es fácil llegar.
de Dan Brown
El mayor best seller de los últimos años. Una historia que pretende causar escándalo y sorpresa a partes iguales.
Robert Langdom llega a Paris y se ve envuelto en una investigación de un asesinato en el Louvre. Acompañado por Sophie Neveu, deberá ir en busca de uno de los mayores misterios de la historia: el Santo Grial.
Lo mejor de la novela radica en cómo se descubre una de las teorías acerca del Santo Grial. Pero para quienes hayan oído esa teoría, no supondrá ninguna novedad en especial.
Es una novela que tiene un ritmo desigual. La acción tarda demasiado en arrancar, pasa demasiado tiempo centrándose en las descripciones y, de pronto, la acción salta a trompicones y todo sucede de repente, de golpe y de forma rápida. Incluído un giro de historia muy pillado por los pelos.
Sin embargo, es una novela fácil de leer y que se hace entretenida, amena y que contiene ciertas partes de verdad que son muy interesantes de conocer.
Sin ser una novela ni mucho menos perfecta, es una novela interesante para leer y que, incluso, puede abrir los ojos en algunos aspectos.
LOST IN TRANSLATION
de Sofia Coppola
Película imprescindible sobre la levedad del amor y sobre la necesidad de amar.
Bob Harris (Bill Murray)llega a Tokyo para grabar un anuncio de whisky y embolsarse una gran cantidad de dinero, en lugar de actuar en una obra de teatro. Eso es un reflejo de cómo su carrera de actor ha decaído, pues hace años que no hace una película decente. Bob se instala en un hotel, donde conoce a Charlotte (Scarlett Johanson). Ella está allí acompañando a su marido, un fotógrafo que se pasa el día fuera. Charlotte es una veinteañera, que no encuentra sentido a su vida porque no sabe que quiere hacer con ella. Bob es un cinquentón que está pasado de vueltas, que apenas cree en el amor (ahí está su relación, muy a distancia, con su mujer) y que se da cuenta de lo cada vez más patética que es su vida. Entre ambos, surgirá una química especial, que les llevará a desear estar juntos, compartiendo la soledad del hotel y de un Tokyo retratada como una ciudad extraterrestre.
En esta película, Sofia Coppola logra encontrar lo que hace que dos personas sientan la necesidad de estar juntos, de pasar el tiempo juntos. Y también muestra cómo el amor se encuentra sobre todo en el deseo de dos personas de conocerse más, y también cómo una pequeña caricia en el pie puede mostrar mucho más amor que una noche de sexo.
Cabe destacar la impresionante actuación de Bill Murray. Histriónico y desatado por momentos, muy contenido y profundo en otros. Impresionante el momento en el que, durante una sesión de fotos, pone una cara de sentirse la persona más patética del mundo. No sabe si reir o si llorar.
Mejores momentos
-La sesión fotográfica de Bob.
-"Estoy planeando una fuga de presos".
-Toda la escena del karaoke, cuando Bob canta "More than this".
-La impresionante e imprescindible escena de la conversación en la cama, rematada con la caricia espontánea y fugaz en el pie.
-La escena final, y ese susurro que contiene la esencia de la película: el amor se encuentra en las cosas más pequeñas e imperceptibles.
Recomendada a todos aquellos que quieran ver una película en la que no ocurren grandes cosas, pero que si es entendida y vista sin prejuicios, dejará un gran poso dentro de cada uno.
¡Hola!
Me presento. Me llamo Aitor, tengo 19 años (casi 20) y soy de San Sebastián. Mis aficiones son: ´
-La música (Bruce Springsteen, Ryan Adams, Ismael Serrano, Joaquín Sabina, Coldplay, Bob Dylan...)
-El cine ("Blade runner", "El padrino", "American beauty", "Lost in translation", "Antes del amanecer", "¡Olvídate de mí!". Mi actor preferido es Bill Murray, mi director preferido David Lynch.)
-Las series de televisión ("El ala oeste de la Casa Blanca", "Los Soprano", "Twin Peaks", "A dos metros bajo tierra"...)
-Los libros, en menor medida. Mi novela preferida es "Alta fidelidad".
En este blog intentaré hablar de cosas más serias, reflexionar acerca de esas aficiones, pero de manera crítica, tanto constructiva como destructiva.
Espero que os guste. In a Peko minute everything can change.
Un saludo.
